¿Qué arte nos representa mejor? La respuesta depende de la obra, del momento y de la persona que recibe la experiencia estética. A veces un verso de canción nos dice todo lo que necesitamos; a veces un cuento o un ensayo nos causa un efecto de plenitud que nos devuelve a experiencias iniciáticas profundas, íntimas, incognoscibles hasta entonces u olvidadas.
Vi dos obras de teatro y sentí que el teatro lo es todo. “Es mucho más que el cine”, me dije. Era una forma reconocer que las dos piezas me habían impresionado y habían hecho que me concentrara por completo en el mundo que me proponían, absorto y olvidado de mi propio mundo. Después el cine hará su tarea de reconquistarme.
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Tebanas, “con textos de Esquilo, Sófocles y Eurípides”, se presentó en el Teatro de la Abadía, en Chamberí, por Vallehermoso, Madrid. Hubo quien dijera que eran demasiadas obras en una. Bueno. Si mis informantes y mi memoria no me traicionan, la antigua Atenas presentaba tres obras en un día. Claro que se iban presentando una por una a lo largo de la jornada. Y eran del mismo autor. Y aquél era un día especialísimo, bajo los dominios de Dionisio. Tebanas duró prudentes noventa minutos, y Dionisio apenas asomó la nariz en algún momento. Más bien la obra es un duelo de un Zeus contra otro Zeus, y allí vamos: poder contra poder, ambición contra ambición, intriga contra intriga. Exploración muy oportuna para aquellos tiempos y para estas horas de desfigurada violencia.
Me impresionó que los cuatro actores y las dos actrices mantuvieran una auténtica danza de parlamentos y movimientos “sin solución de continuidad”, es decir, sin detenerse y más bien cambiando de una tragedia a otra sin que apenas nos diéramos cuenta. Normalmente cinco estaban en el escenario y el sexto (o la sexta) tocaba un instrumento y a veces cantaba en un discreto rincón como un coro paradójicamente solitario.
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Hoy es muy común ver videos tan recortados que se siente de inmediato el montaje (cortar y repetir: toma 2, toma 3, etcétera); así destaca más el mérito del teatro: no puede haber “copiar y pegar”, “fallar y repetir”, “cortar y editar”: el teatro tiene el sabor más claramente corporal y presente y vivo de todas las artes. En esto el teatro se gana la primicia si nos hacemos la pregunta del comienzo: ¿qué arte nos representa más? El teatro es la representación más intensa porque es una representación en las cuatro dimensiones, a diferencia de la página de papel y la pantalla, ambas de dos dimensiones, aunque saben imitar las otras dos. Y el teatro, en fin, es como la vida porque casi nunca hay toma dos. Y transmite olores a sudor y a deseo, y casi gustos a cercanía y a lejanía en cada acercamiento y en cada alejamiento.
La Abadía fue un templo. Se remodeló y se convirtió en una cómoda sala de teatro y suele llenarse en cada función. El público se nota fiel, y aquella noche aguantó la lluviecita que colma con calma las cisternas o aljibes de Madrid, ciudad que ha resuelto bien sus problemas de abastecimiento líquido.
La dramaturgia cayó sobre los hombros de Álvaro Tato; la dirección, en los de Yayo Cáceres. La producción es responsabilidad de Ay Teatro, y quienes se arriesgaron en escena son Cira Ascanio, Marta Estal, Mario García, Fran Garzia, Daniel Migueláñez y Mario Salas de Rueda.
El director resume la pertinencia de la obra con pocas y contundentes afirmaciones: “A pocos años de una peste que nos tuvo en vilo y en peligro durante algún tiempo, el mundo sigue sufriendo ahora en algunas zonas del planeta gobiernos dictatoriales, autárquicos, atravesando otra vez guerras, ocupaciones de territorios, exilios; mirando sin ver pueblos oprimidos y haciendo un ejercicio selectivo de los derechos humanos”.
El mundo de los trágicos griegos es un mundo en el que las élites gobernantes no se ponen de acuerdo y arrojan así cascadas y avalanchas de sufrimientos a sus pueblos. El tema de El nudo gordiano, de Johnna Adams, se ciñe al drama entre dos mujeres, si bien la ausencia de protocolos precisos y funcionales en un colegio de infantes casi adolescentes tiene una parte de la culpa. Pasamos entonces de las élites a las zonas medias o intermedias de una sociedad que se enfrenta de golpe a tragedias frente a las cuales no ha encontrado mediaciones oportunas.
Bien hablaban los clásicos de la hamartía, del error trágico, por lo común ligado a la hibris, esto es, al desbalance en las decisiones y en las consecuentes acciones; el desbalance conduce a un desajuste entre personas o entre sociedades, y la falta de mediación adecuada facilita la tragedia.
Eva Rufo encarna a Heather, una profesora de preadolescentes. María Morales encarna a Corryn, madre de un chico que se suicidó el viernes. Es lunes, y Corryn asiste al llamado que le hizo la profesora todavía por medio del chico el viernes por la mañana.
Muchos temas entran en juego. Uno relevante es la repartición de responsabilidades ante un hecho irreversible. El hecho irreversible suele ser un motor de los dramas en papel o en escena o en pantalla. Se ha vuelto un recurso casi con carácter industrial a fuerza de repetirse y explotarse. Pero la dramaturga, el director, la escenografía y sobre todo las actrices logran darle vida a un recurso viejo y aun así eficiente si, justo, se le da hondura y energía. Al fondo late otro de los temas de nuestro tiempo: el maltrato a estudiantes, el bullying escolar, especialmente agudo cuando alguien es diferente; el chico es un poeta en ciernes, hijo de madre soltera, profesora ella misma, aunque universitaria, de letras clásicas, conocedora de los patrones que el teatro trágico alcanzó a entresacar para hacernos entender nuestras decisiones y nuestras acciones. El chico ha escrito una pieza al parecer muy agresiva contra la profesora, quien lo expulsa de clase y manda llamar a la madre; la madre lee el texto y entiende al poeta que había allí en camino, así fuera todavía en fase de ajuste de cuentas simbólicas con las autoridades.
El teatro merece todos los apoyos posibles.
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